Primeros años y formación

Ansel Adams creció en un entorno privilegiado en San Francisco, pero su infancia no estuvo exenta de desafíos. Nacido en una familia acomodada, Adams mostró desde temprana edad una personalidad inquieta y curiosa que no encajaba bien en el sistema educativo tradicional. Diagnosticado con hiperactividad y dislexia, aunque estos términos no se usaban en aquella época, Adams encontró difícil adaptarse a la escuela convencional.

Su padre, Charles Hitchcock Adams, y su madre, Olive Bray, decidieron educarlo en casa después de varios intentos fallidos en diferentes escuelas. Esta decisión resultó ser crucial para el desarrollo de la creatividad y los intereses de Ansel. Libres de las restricciones de un currículo estándar, sus padres fomentaron su curiosidad natural y su amor por la naturaleza.

La familia Adams vivía cerca del Golden Gate, antes de la construcción del famoso puente, y el joven Ansel pasaba gran parte de su tiempo explorando las dunas y playas cercanas. Estas primeras experiencias en la naturaleza sembraron las semillas de lo que más tarde se convertiría en una pasión de por vida por los paisajes naturales.

A los 12 años, Adams comenzó a tomar lecciones de piano, lo que marcaría el inicio de su amor por la música. Durante su adolescencia y principios de su edad adulta, Adams consideró seriamente convertirse en pianista profesional. La disciplina y el sentido de la composición que adquirió a través de la música tendrían más tarde una influencia significativa en su enfoque de la fotografía.

En 1916, durante unas vacaciones familiares, Adams visitó por primera vez el Parque Nacional de Yosemite. Este viaje resultó ser un punto de inflexión en su vida. Quedó cautivado por la belleza majestuosa del valle y las montañas circundantes. Fue durante esta visita cuando su padre le regaló su primera cámara, una Kodak Brownie, con la que Adams comenzó a experimentar capturando imágenes del impresionante paisaje.

Esta primera experiencia en Yosemite despertó en Adams una pasión dual: por la fotografía y por la naturaleza salvaje. En los años siguientes, Adams regresaría repetidamente a Yosemite, perfeccionando sus habilidades fotográficas y profundizando su conexión con el paisaje. Estas visitas sentaron las bases para lo que se convertiría en el tema central de su obra: la grandeza y la belleza de la naturaleza americana.

Durante su juventud, Adams también se unió al Sierra Club, una organización conservacionista fundada por John Muir. Esta asociación no solo reforzó su amor por la naturaleza, sino que también le proporcionó una plataforma para mostrar su trabajo fotográfico y desarrollar sus habilidades como montañista y guía.

La formación de Adams como fotógrafo fue en gran medida autodidacta. Estudió los trabajos de fotógrafos contemporáneos y experimentó incansablemente con diferentes técnicas y equipos. Su background musical influyó en su aproximación a la fotografía, aplicando conceptos como la composición, el ritmo y la armonía a sus imágenes visuales.

A medida que Adams se adentraba más en el mundo de la fotografía, comenzó a desarrollar sus propias teorías sobre la exposición y el revelado. Fue durante este período cuando empezó a formular lo que más tarde se conocería como el “Sistema de Zonas”, una técnica para determinar la exposición óptima y el desarrollo del negativo para lograr la mejor calidad de impresión posible.

En la década de 1920, Adams trabajó como cuidador del refugio del Sierra Club en Yosemite, lo que le permitió pasar largos períodos en el parque, perfeccionando su técnica y produciendo algunas de sus primeras fotografías importantes. Fue durante este tiempo cuando Adams comenzó a alejarse de la estética pictorialista, entonces popular, hacia un estilo más directo y nítido que se convertiría en su sello distintivo.

La década de 1920 también marcó el inicio de la carrera profesional de Adams como fotógrafo. Comenzó a vender impresiones de sus fotografías y a recibir encargos comerciales. Sin embargo, aún no había abandonado completamente sus ambiciones musicales, y continuó dando conciertos de piano y considerando una carrera en la música.

El punto de inflexión llegó en 1927, cuando Adams produjo su primera fotografía verdaderamente importante, “Monolith, the Face of Half Dome”. Esta imagen, que captura la icónica formación rocosa de Yosemite con un dramático cielo oscuro, representó un avance significativo en su técnica y visión artística. Adams más tarde describiría el proceso de tomar esta fotografía como una experiencia de visualización, en la que pudo ver la imagen final en su mente antes de presionar el obturador. Este concepto de “visualización” se convertiría en un principio fundamental de su filosofía fotográfica.

La década de 1920 también vio el matrimonio de Adams con Virginia Best en 1928. Virginia, hija del pintor paisajista Harry Best, compartía el amor de Adams por Yosemite y la música. Su apoyo sería crucial para la carrera de Adams en los años venideros.

Estos primeros años y experiencias formativas sentaron las bases para la extraordinaria carrera de Ansel Adams. Su educación no convencional, su temprana exposición a la naturaleza, su formación musical y sus experimentos autodidactas en fotografía se combinaron para crear un artista único, preparado para revolucionar el mundo de la fotografía en las décadas siguientes.

Carrera fotográfica y desarrollo artístico

La carrera fotográfica de Ansel Adams despegó verdaderamente en la década de 1930, un período que marcó su transición definitiva de la música a la fotografía como su principal medio de expresión artística. Esta década fue crucial en el desarrollo de su estilo distintivo y en el establecimiento de su reputación como uno de los fotógrafos más importantes de su generación.

En 1930, Adams conoció a Paul Strand, un fotógrafo pionero del modernismo americano. El encuentro con Strand tuvo un profundo impacto en Adams, inspirándole a abandonar el estilo pictorialista que había caracterizado su trabajo anterior en favor de un enfoque más directo y nítido. Las fotografías de Strand, con sus formas claras y su uso magistral del contraste, mostraron a Adams las posibilidades expresivas de una fotografía “pura”, sin manipulaciones pictóricas.

Este cambio en su enfoque artístico coincidió con avances significativos en la técnica fotográfica de Adams. Durante este período, refinó lo que se convertiría en su famoso Sistema de Zonas, una técnica compleja para controlar y relacionar la exposición y el desarrollo del negativo para lograr una gama tonal precisa en la impresión final. El Sistema de Zonas permitió a Adams ejercer un control sin precedentes sobre el proceso fotográfico, desde la visualización inicial hasta la impresión final.

En 1932, Adams fue uno de los fundadores del Grupo f/64, junto con otros fotógrafos como Edward Weston e Imogen Cunningham. El nombre del grupo hacía referencia a la apertura más pequeña disponible en las cámaras de gran formato de la época, que producía la mayor profundidad de campo y, por lo tanto, la máxima nitidez en toda la imagen. El Grupo f/64 abogaba por una fotografía “directa” que enfatizaba la nitidez, el detalle y la gama tonal completa, en oposición al estilo pictorialista que dominaba la fotografía artística de la época.

A lo largo de la década de 1930, Adams produjo algunas de sus imágenes más icónicas. Fotografías como “Rose and Driftwood” (1932), “Clearing Winter Storm” (1935) y “Moonrise, Hernandez, New Mexico” (1941) demostraron su dominio técnico y su visión artística única. Estas imágenes no solo capturaban la belleza de los paisajes americanos, sino que también transmitían un sentido de reverencia y asombro ante la naturaleza.

Durante este período, Adams también comenzó a ganar reconocimiento más allá del círculo de fotógrafos y aficionados. En 1936, realizó su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), una distinción rara para un fotógrafo en esa época. La exposición, titulada “Ansel Adams: Photographs of the Sierra Nevada”, fue un éxito crítico y ayudó a establecer la reputación de Adams a nivel nacional.

Paralelamente a su trabajo artístico, Adams comenzó a escribir y enseñar sobre técnica fotográfica. Su primer libro técnico, “Making a Photograph”, fue publicado en 1935. Este libro, junto con sus posteriores publicaciones y talleres, ayudó a difundir sus técnicas y filosofía fotográfica a una audiencia más amplia.

La década de 1940 vio a Adams expandir su alcance tanto geográfica como temáticamente. Aunque Yosemite y la Sierra Nevada seguían siendo sus temas favoritos, Adams comenzó a fotografiar otros paisajes americanos, desde el Parque Nacional de las Montañas Rocosas hasta el suroeste desértico. También realizó trabajos por encargo para el Departamento del Interior de los Estados Unidos, fotografiando parques nacionales y monumentos, lo que reforzó su papel como defensor de la conservación del medio ambiente.

Un proyecto particularmente significativo de este período fue su documentación del campo de reubicación de Manzanar, donde ciudadanos estadounidenses de origen japonés fueron internados durante la Segunda Guerra Mundial. Estas fotografías, que mostraban la vida cotidiana en el campo, representaron una desviación de su trabajo paisajístico habitual y demostraron el compromiso de Adams con cuestiones sociales y políticas.

A medida que avanzaba su carrera, Adams continuó refinando su técnica y expandiendo su influencia. En 1946, fundó el Departamento de Fotografía en el Instituto de Bellas Artes de California (ahora conocido como San Francisco Art Institute), el primer departamento académico dedicado a la fotografía como forma de arte. Este paso fue crucial para el establecimiento de la fotografía como una disciplina artística seria en la educación superior.

Adams también continuó escribiendo y publicando libros influyentes sobre técnica fotográfica. Su trilogía “The Camera”, “The Negative” y “The Print”, publicada en la década de 1950, se convirtió en textos fundamentales para generaciones de fotógrafos.

A lo largo de las décadas de 1950 y 1960, Adams siguió produciendo imágenes impactantes y refinando su visión artística. Aunque su estilo básico permaneció constante, sus fotografías de este período a menudo mostraban una sensibilidad más sutil y contemplativa. Imágenes como “Aspens, Northern New Mexico” (1958) y “Moon and Half Dome” (1960) demostraron su continua capacidad para encontrar nuevas formas de ver y representar el paisaje.

El desarrollo artístico de Adams a lo largo de su carrera fue marcado por una dedicación constante a la excelencia técnica y una profunda conexión emocional con el paisaje natural. Su trabajo evolucionó desde los experimentos pictorialistas de sus primeros años hasta el estilo directo y preciso que definió su madurez artística. A través de todo esto, Adams mantuvo un compromiso inquebrantable con la idea de la fotografía como una forma de arte expresiva y poderosa, capaz de comunicar la belleza y la importancia de la naturaleza a un público amplio.

Contribuciones técnicas y artísticas

Ansel Adams no solo fue un fotógrafo excepcional, sino también un innovador técnico y un teórico influyente en el campo de la fotografía. Sus contribuciones técnicas y artísticas transformaron la práctica de la fotografía y continúan influyendo en los fotógrafos hasta el día de hoy.

Una de las contribuciones más importantes de Adams fue el desarrollo del Sistema de Zonas. Este sistema, que Adams perfeccionó a lo largo de varios años, es un método para visualizar y controlar el rango tonal completo de una imagen fotográfica, desde las sombras más profundas hasta las altas luces más brillantes. El Sistema de Zonas divide la gama tonal en once zonas, desde el negro puro (Zona 0) hasta el blanco puro (Zona X), con el gris medio en la Zona V.

La genialidad del Sistema de Zonas radica en su capacidad para relacionar la exposición en la cámara con el desarrollo del negativo y el proceso de impresión. Permitió a Adams, y a los fotógrafos que siguieron sus enseñanzas, ejercer un control preciso sobre la representación tonal de una escena, independientemente de su rango de contraste. Esto fue particularmente útil en la fotografía de paisajes, donde Adams a menudo se enfrentaba a escenas de alto contraste que desafiaban las capacidades de los materiales fotográficos de la época.

El Sistema de Zonas no solo era una herramienta técnica, sino también un enfoque filosófico de la fotografía. Adams creía que el fotógrafo debía visualizar la imagen final antes de presionar el obturador, y el Sistema de Zonas proporcionaba un marco para traducir esa visualización en realidad técnica. Este énfasis en la pre-visualización y el control consciente de todo el proceso fotográfico fue revolucionario y tuvo un impacto duradero en la forma en que los fotógrafos abordan su oficio.

Otra contribución técnica importante de Adams fue su trabajo en el campo de la sensitometría, el estudio de la respuesta de los materiales fotográficos a la luz. Adams realizó extensos experimentos para comprender y cuantificar las características de las películas y los papeles fotográficos. Este trabajo le permitió desarrollar métodos precisos para controlar el contraste y la gama tonal en sus impresiones, y también informó su enfoque de la exposición y el desarrollo de negativos.

Adams también fue un pionero en el uso de filtros en la fotografía de paisajes. Comprendió que los diferentes colores de luz afectaban de manera diferente a la película en blanco y negro, y utilizó filtros de color para manipular estos efectos. Por ejemplo, usaba frecuentemente un filtro rojo oscuro para oscurecer dramáticamente el cielo en sus fotografías, creando el efecto de cielos tormentosos y dramáticos que son característicos de muchas de sus imágenes más famosas.

En cuanto a las contribuciones artísticas, Adams fue fundamental en el establecimiento de la fotografía de paisajes como una forma de arte respetada. Antes de Adams, la fotografía de paisajes a menudo se consideraba un ejercicio meramente documental o pictorialista. Adams elevó el género a nuevas alturas artísticas a través de su dominio técnico, su visión estética única y su profunda conexión emocional con los sujetos que fotografiaba.

El estilo de Adams se caracterizaba por una nitidez excepcional, un amplio rango tonal y una composición cuidadosamente considerada. Sus imágenes a menudo presentaban un primer plano detallado que conducía el ojo del espectador hacia un fondo majestuoso, creando una sensación de profundidad y escala. Este enfoque ayudó a transmitir la grandeza y la inmensidad de los paisajes que fotografiaba, particularmente en sus famosas imágenes de Yosemite y la Sierra Nevada.

Adams también fue pionero en el concepto de la “visualización”, la idea de que el fotógrafo debe imaginar completamente la imagen final antes de tomar la fotografía. Este enfoque enfatizaba la fotografía como un medio creativo y expresivo, no simplemente como un registro mecánico de la realidad. La visualización se convirtió en un principio central de la filosofía fotográfica de Adams y ha influido en generaciones de fotógrafos desde entonces.

Otra contribución artística significativa de Adams fue su papel en la promoción de la impresión fina (fine print) como una forma de arte por derecho propio. Adams creía que el negativo era la partitura, pero la impresión era la interpretación. Dedicaba horas a perfeccionar sus impresiones, ajustando meticulosamente el contraste, el tono y los detalles para crear impresiones que no solo representaran la escena, sino que transmitieran su experiencia emocional de ella. Este enfoque elevó la impresión fotográfica de un simple proceso mecánico a una forma de expresión artística.

Adams también fue un defensor apasionado de lo que llamó “fotografía pura”. Rechazaba las manipulaciones pictorialistas que eran populares entre muchos fotógrafos artísticos de principios del siglo XX, argumentando en su lugar que la belleza inherente del mundo natural, capturada con habilidad y sensibilidad, era suficiente para crear arte poderoso. Este enfoque influyó profundamente en el desarrollo de la fotografía moderna y ayudó a establecer la fotografía directa como una forma de arte respetada.

El impacto de Adams en la fotografía en color, aunque menos conocido, también fue significativo. Aunque es famoso principalmente por su trabajo en blanco y negro, Adams experimentó extensamente con la fotografía en color en las últimas décadas de su carrera. Aplicó los mismos principios de visualización y control técnico a su trabajo en color, y aunque nunca se sintió tan cómodo con el medio como con el blanco y negro, sus experimentos ayudaron a allanar el camino para futuros fotógrafos de paisajes en color.

Más allá de sus contribuciones técnicas y artísticas directas, Adams desempeñó un papel crucial en la educación y la promoción de la fotografía como forma de arte. Sus numerosos libros, artículos y talleres ayudaron a difundir sus técnicas y filosofía a un público amplio. Los departamentos de fotografía que ayudó a establecer en instituciones como el Instituto de Bellas Artes de California y el Centro de Estudios Fotográficos Creativos fueron fundamentales para el reconocimiento académico de la fotografía como disciplina artística.

Adams también fue un defensor incansable de la fotografía en los museos y galerías. Su trabajo fue fundamental para establecer departamentos de fotografía en importantes museos, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Estas iniciativas ayudaron a elevar el estatus de la fotografía en el mundo del arte y allanaron el camino para el reconocimiento generalizado de la fotografía como una forma de arte por derecho propio.

En resumen, las contribuciones técnicas y artísticas de Ansel Adams fueron vastas y duraderas. Desde el Sistema de Zonas hasta su filosofía de visualización, desde su maestría en la impresión fina hasta su defensa de la “fotografía pura”, Adams transformó fundamentalmente la práctica y la percepción de la fotografía. Su legado continúa influyendo en los fotógrafos y artistas hasta el día de hoy, y su trabajo sigue siendo un punto de referencia para la excelencia en la fotografía de paisajes.

Conservacionismo y activismo ambiental

El amor de Ansel Adams por la naturaleza no se limitó a capturarla a través de su lente. A lo largo de su vida, fue un apasionado defensor de la conservación del medio ambiente, utilizando su arte y su influencia para promover la protección de las áreas naturales de Estados Unidos. Su activismo ambiental fue una extensión natural de su trabajo fotográfico y jugó un papel crucial en la formación de la conciencia pública sobre la importancia de preservar los espacios naturales.

La conexión de Adams con la naturaleza comenzó en su juventud, durante sus primeras visitas al Parque Nacional de Yosemite. Estas experiencias tempranas sembraron las semillas de lo que se convertiría en un compromiso de por vida con la conservación. En 1919, a la edad de 17 años, Adams se unió al Sierra Club, una de las organizaciones conservacionistas más antiguas y respetadas de Estados Unidos. Esta asociación marcaría el inicio de su activismo ambiental organizado.

El Sierra Club desempeñó un papel importante en la carrera temprana de Adams. Además de participar en las actividades de la organización, Adams comenzó a documentar fotográficamente las excursiones anuales del club a la Sierra Nevada. Estas fotografías no solo ayudaron a Adams a desarrollar su estilo, sino que también se convirtieron en una poderosa herramienta para la promoción de la conservación. Las imágenes de Adams de los paisajes prístinos de la Sierra Nevada ayudaron a generar apoyo público para la protección de estas áreas.

A medida que su reputación como fotógrafo crecía, Adams comenzó a utilizar su arte de manera más directa para promover la causa de la conservación. En 1938, compiló un libro de fotografías titulado “Sierra Nevada: The John Muir Trail”, que fue presentado al Secretario del Interior Harold Ickes como parte de una campaña para establecer un nuevo parque nacional en la Sierra Nevada. Este libro jugó un papel crucial en la eventual creación del Parque Nacional de Kings Canyon en 1940.

Adams también utilizó su influencia para abogar por la protección de áreas específicas. Por ejemplo, fue un defensor apasionado de la preservación del área de Minaret en la Sierra Nevada, que finalmente se convirtió en el Área Salvaje Ansel Adams en 1984. Su trabajo fue fundamental en la expansión y protección de varios parques nacionales, incluyendo Yosemite y Sequoia.

Además de su trabajo con el Sierra Club, Adams colaboró con otras organizaciones conservacionistas y agencias gubernamentales. En la década de 1930, realizó una serie de fotografías para el Servicio de Parques Nacionales, documentando los parques nacionales y monumentos de Estados Unidos. Estas imágenes no solo sirvieron como un registro histórico, sino que también ayudaron a generar apoyo público para el sistema de parques nacionales.

El activismo de Adams no se limitó a la fotografía. Fue un escritor prolífico y un orador apasionado sobre temas de conservación. Escribió numerosos artículos y cartas a funcionarios del gobierno, abogando por la protección de áreas naturales y criticando las políticas que amenazaban el medio ambiente. También testificó ante el Congreso en varias ocasiones sobre temas relacionados con la conservación y los parques nacionales.

Una de las contribuciones más significativas de Adams al movimiento conservacionista fue su capacidad para comunicar la belleza y el valor de la naturaleza a un público amplio. Sus fotografías no solo documentaban los paisajes, sino que transmitían un sentido de asombro y reverencia por el mundo natural. Esta conexión emocional que Adams logró crear a través de su arte fue increíblemente poderosa para inspirar a otros a valorar y proteger estos espacios.

Adams también fue un defensor temprano de lo que hoy llamaríamos sostenibilidad. Reconoció la necesidad de equilibrar el uso y disfrute de las áreas naturales con su preservación. Abogó por un enfoque de la conservación que permitiera el acceso público a los parques nacionales y áreas silvestres, pero de una manera que minimizara el impacto humano y preservara la integridad ecológica de estos lugares.

En las últimas décadas de su vida, Adams se volvió cada vez más vocal sobre temas ambientales más amplios. Expresó su preocupación por la contaminación, el crecimiento de la población y el desarrollo descontrolado. Vio estos problemas como amenazas no solo para los paisajes naturales que amaba, sino para la calidad de vida de las generaciones futuras.

El legado conservacionista de Adams continúa influyendo en el movimiento ambiental hasta el día de hoy. Sus fotografías siguen siendo utilizadas por organizaciones conservacionistas para promover la protección de áreas naturales. El concepto de utilizar el arte y la fotografía como herramientas para la defensa ambiental, que Adams ayudó a pionerizar, se ha convertido en una estrategia estándar para muchas organizaciones ambientales modernas.

Además, el ejemplo de Adams de un artista que utiliza su plataforma para abogar por causas en las que cree ha inspirado a muchos otros fotógrafos y artistas a hacer lo mismo. Hoy en día, es común ver a fotógrafos de naturaleza y paisajes que no solo capturan la belleza del mundo natural, sino que también abogan activamente por su protección.

En resumen, el conservacionismo y el activismo ambiental fueron aspectos centrales de la vida y carrera de Ansel Adams. Su trabajo no solo capturó la belleza de los paisajes naturales de América, sino que también jugó un papel crucial en su preservación. A través de su arte, su escritura y su defensa, Adams ayudó a dar forma al movimiento conservacionista moderno y dejó un legado duradero de apreciación y protección del medio ambiente.

Legado y influencia

El legado de Ansel Adams se extiende mucho más allá de sus fotografías icónicas. Su influencia ha permeado prácticamente todos los aspectos de la fotografía moderna, desde la técnica y la estética hasta la ética y el propósito del medio. Incluso décadas después de su muerte en 1984, Adams sigue siendo una figura central en el mundo de la fotografía y la conservación.

En el ámbito de la fotografía técnica, el impacto de Adams es difícil de sobrestimar. Su Sistema de Zonas revolucionó la forma en que los fotógrafos abordan la exposición y el procesamiento de imágenes. Aunque la fotografía digital ha reemplazado en gran medida a la película, los principios del Sistema de Zonas siguen siendo relevantes y se han adaptado a la era digital. Muchos fotógrafos contemporáneos continúan aplicando los conceptos de visualización y control tonal que Adams desarrolló.

El énfasis de Adams en la “impresión fina” también ha tenido un impacto duradero. Elevó el proceso de impresión de un simple paso técnico a una forma de expresión artística por derecho propio. Este enfoque ha influido profundamente en la forma en que los fotógrafos modernos abordan el procesamiento y la presentación de sus imágenes, ya sea en el cuarto oscuro tradicional o en el “cuarto oscuro digital” de software de edición de imágenes.

Estéticamente, el estilo de Adams ha definido en gran medida nuestra percepción de la fotografía de paisajes. Sus composiciones cuidadosamente equilibradas, su uso dramático del contraste y su capacidad para capturar la grandeza de la naturaleza han establecido un estándar al que muchos fotógrafos de paisajes aún aspiran. La “mirada Adams” – caracterizada por cielos oscuros y dramáticos, detalles nítidos y un amplio rango tonal – sigue siendo inmediatamente reconocible y ampliamente imitada.

Sin embargo, la influencia de Adams va más allá de la técnica y la estética. Su filosofía de la fotografía como un medio de expresión artística y su énfasis en la visualización han influido en generaciones de fotógrafos. Adams defendió la idea de que la fotografía no era simplemente un registro mecánico de la realidad, sino un medio para que el fotógrafo expresara su visión y emoción. Este concepto ha sido fundamental en la evolución de la fotografía como forma de arte.

En el campo de la educación fotográfica, el impacto de Adams es igualmente significativo. Sus libros sobre técnica fotográfica, particularmente su trilogía “La Cámara”, “El Negativo” y “La Copia”, siguen siendo textos fundamentales en muchos programas de fotografía. Los talleres que impartió a lo largo de su carrera, así como los departamentos de fotografía que ayudó a establecer en varias instituciones, sentaron las bases para la educación formal en fotografía.

El legado conservacionista de Adams también ha tenido un impacto duradero. Su uso de la fotografía como herramienta para la defensa ambiental estableció un precedente que muchos fotógrafos y organizaciones conservacionistas siguen hoy en día. Las imágenes de Adams de los parques nacionales y áreas silvestres de América no solo han inspirado a innumerables personas a visitar y apreciar estos lugares, sino que también han jugado un papel crucial en los esfuerzos continuos para protegerlos.

La influencia de Adams se extiende incluso a áreas que podrían parecer alejadas de su trabajo original. Por ejemplo, aunque Adams trabajó principalmente en blanco y negro, su enfoque de la composición y la luz ha influido en muchos fotógrafos de color. Su énfasis en la calidad técnica y su búsqueda de la “impresión perfecta” han influido en el desarrollo de tecnologías de impresión digital de alta gama.

En el mundo del arte, Adams jugó un papel crucial en la elevación de la fotografía a un estatus equivalente al de otras formas de arte visual. Su trabajo ayudó a abrir las puertas de los museos y galerías a la fotografía, allanando el camino para el reconocimiento generalizado de la fotografía como una forma de arte por derecho propio.

El legado de Adams también se mantiene vivo a través de varias instituciones y programas. El Centro para la Fotografía Creativa en la Universidad de Arizona, que Adams ayudó a fundar, continúa siendo un importante centro de investigación y educación fotográfica. La Galería Ansel Adams en Yosemite National Park sigue exhibiendo su trabajo y promoviendo su visión de la conservación.

Incluso en la era digital, el trabajo de Adams sigue siendo relevante y apreciado. Sus imágenes continúan siendo ampliamente reproducidas y coleccionadas, y su enfoque de la fotografía sigue inspirando a nuevos fotógrafos. Muchos fotógrafos digitales modernos se esfuerzan por lograr el nivel de control tonal y detalle que Adams logró con la película y el cuarto oscuro tradicional.

Sin embargo, es importante notar que el legado de Adams no está exento de críticas. Algunos críticos argumentan que su enfoque en la belleza prístina de la naturaleza ha contribuido a una visión romántica e irrealista del mundo natural que ignora los impactos humanos y los desafíos ambientales reales. Otros han señalado que su representación de la naturaleza americana a menudo excluía la presencia y la historia de los pueblos indígenas.

A pesar de estas críticas, el impacto de Adams en la fotografía y la conservación sigue siendo innegable. Su trabajo no solo definió un estilo y una técnica, sino que también estableció un estándar ético para la fotografía de la naturaleza. La idea de que los fotógrafos tienen una responsabilidad no solo de documentar el mundo natural, sino también de ayudar a preservarlo, es un legado duradero de Adams.

En el siglo XXI, a medida que enfrentamos desafíos ambientales cada vez más urgentes, el trabajo y la filosofía de Adams siguen siendo relevantes. Su visión de la belleza y el valor intrínseco de la naturaleza sigue inspirando a las personas a apreciar y proteger los espacios naturales. Al mismo tiempo, su ejemplo de un artista que utiliza su trabajo para promover el cambio social proporciona un modelo para los fotógrafos y artistas contemporáneos que buscan abordar problemas como el cambio climático y la pérdida de biodiversidad.

Conclusión

Ansel Adams fue mucho más que un fotógrafo; fue un artista visionario, un innovador técnico, un educador influyente y un apasionado defensor del medio ambiente. Su trabajo transformó la forma en que vemos y valoramos la naturaleza, y su influencia sigue dando forma al mundo de la fotografía y la conservación hasta el día de hoy.

Las imágenes icónicas de Adams de los paisajes americanos no solo son obras maestras de la fotografía, sino también poderosos recordatorios de la belleza y la importancia de nuestro mundo natural. A través de su lente, Adams nos mostró la majestuosidad de las montañas, la delicadeza de los bosques y la vastedad de los desiertos, inspirando a generaciones a apreciar y proteger estos tesoros naturales.

El legado técnico de Adams, incluyendo el Sistema de Zonas y su enfoque en la impresión fina, continúa influyendo en la práctica fotográfica moderna. Sus innovaciones no solo mejoraron la calidad técnica de las fotografías, sino que también ampliaron las posibilidades expresivas del medio.

Como educador y escritor, Adams desempeñó un papel crucial en la democratización del conocimiento fotográfico. Sus libros y talleres hicieron que técnicas avanzadas fueran accesibles para fotógrafos aficionados y profesionales por igual, elevando el nivel general de la práctica fotográfica.

El activismo ambiental de Adams demostró el poder del arte para inspirar el cambio social. Su uso de la fotografía como herramienta para la conservación estableció un precedente que sigue siendo relevante en la era del cambio climático y la crisis de biodiversidad.

En última instancia, el legado más duradero de Ansel Adams puede ser su visión de la fotografía como una forma de arte que puede revelar la belleza del mundo natural y inspirar a las personas a protegerlo. En un mundo que enfrenta desafíos ambientales sin precedentes, esta visión sigue siendo tan relevante y necesaria como siempre.

Ansel Adams nos dejó no solo un cuerpo de trabajo extraordinario, sino también una filosofía y un enfoque de la fotografía y la conservación que continúan inspirando y guiando a las personas en todo el mundo. Su vida y obra nos recuerdan el poder del arte para cambiar nuestra percepción del mundo y motivarnos a preservar su belleza para las generaciones futuras.

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Fue en París, allá por los años 30, donde recaló después de que la ideología antisemita que se había instalado en su país natal, le hiciera abandonarlo, donde comenzó a interesarse verdaderamente por la fotografía, después de una vida un tanto disoluta cuyos intereses principales habría girado en torno a la música y el canto.

Desde ese momento, Model aprendió a vivir la fotografía como parte de su vida, y llevó al extremo, tal como le recomendó cuando daba sus primeros pasos Rogi André, fotógrafa y primera mujer de André Kerstész, aquello de que “nunca fotografíes algo que no te apasione”.

En Arbus podemos encontrar muchos apuntes de esa Model más visceral, que buscaba el punto más distorsionante y distorsionado de la realidad. Por ejemplo, aquellos retratos de la serie “Promenade des Angles”, que realizó en Niza, allá por 1934, reflejando a esos indiferentes y acaudalados burgueses, que disfrutaban plácidamente de los encantos de la localidad turística francesa. Un trabajo primigenio dentro de su carrera artística, pero que ya marcaba unos puntos de interés que fue desarrollando a lo largo de los años. Una atracción por las personas diferentes, que se encontraban en los extremos de la sociedad o que se salían de la normalidad. Ricos, pobres, gente obesa… siempre buscando algo que se saliera de lo común, del marco establecido, con un punto también satírico. Y siempre fotografiándolos de una manera directa, sin concesiones, pero sin entablar contacto con el retratado, de manera furtiva.

Unas imágenes que, contemplándolas, nos llevan directamente a Arbus, a su manera de afrontar la fotografía tan directa y a los motivos que le interesaban. Es incuestionable la influencia. Pero, eso sí, también son evidentes algunas distancias. Arbus partió de esas concepciones, pero dio una vuelta de tuerca más. Recorrió las calles de Nueva York en busca de esas personas distintas, de esos “freaks” que representaban el reverso de una sociedad que intentaba ser perfecta, y donde no había cabida para esos “anormales”. Y no los reflejaba de manera furtiva, si no que antes de fotografiarlos con ese flash tan característico, entablaba una relación, una conversación, en muchos casos hasta una amistad, que le generaba un grado de complicidad y empatía evidente.

La relación entre Arbus y Model comenzó en 1957. En 1938 Model se instaló en Nueva York junto a su marido, y poco a poco se fue haciendo hueco dentro de la escena artística de la gran manzana. Empezó a publicar en la revista Harper’s Bazaar y el Museo de Arte Moderno de Nueva York compró dos de sus fotografías. Pero su forma de ver la fotografía, con esos encuadres tan radicales y directos, le cerró las puertas de otras publicaciones, y después de unos años, la propia Harper`s Bazaar le fue realizando menos encargos, lo que provocó que la situación económica de Model se deteriorara gravemente.

Gracias al gran fotógrafo Ansel Adams, se fue introduciendo poco a poco en la enseñanza, hasta que en 1951 comenzó a trabajar en la New School for Social Research de Nueva York. Allí llegó Diane Arbus en 1957, que hasta ese momento había dedicado su interés fotográfico fundamentalmente a la moda. El contacto con Model, el ver sus trabajos y conocer la forma de vivir la fotografía que tenía ella, cambió radicalmente la concepción de Arbus. La famosa frase que les repetía a sus alumnos, “fotografía con las tripas”, caló muy hondo en una Arbus que hasta ese momento, fruto de una familia de clase alta a la que pertenecía, había estado más cerca del mundo de las apariencias, donde lo no bello estaba excluido. Desde ese momento, se encontró con un camino que seguir, de la mano de Model, y pronto encontró a los actores que formarían parte de ese camino hasta el final de sus días.

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Pero vamos a dirigirnos unos cientos de kilómetros más al norte, y vamos a contemplar otra universal metrópoli a través de los ojos de varios fotógrafos. Se trata de Londres, la capital de Inglaterra, y una de las más destacadas urbes del mundo. Pero, al pensar en Londres, no ocurre como en París. Piensas en París, piensas en fotografía, piensas en imágenes icónicas, y rápidamente surgen los Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson o Eugène Atget, entre otros. Y es que la capital de Inglaterra no ha sido nunca un imán cultural como lo fue París durante los siglos XIX y XX. Si alguien quería ser artista, no iba a Londres, desde luego. Y en el país británico la fotografía no recibió el espaldarazo público y estatal como ocurrió en Francia desde sus orígenes.

Aun así, indudablemente, también vamos a encontrar fotógrafos seducidos por las calles de Londres, capital económica, metrópoli multicultural como ninguna otra, y desde mediados del siglo pasado, origen de tendencias urbanas y musicales. Y, a pesar de los grandes atractivos que tiene la ciudad a muchos niveles, es precisamente la vida de la calle lo que ha atraído en mayor parte a los fotógrafos que podríamos denominar “londinenses”.

De esta manera, podemos comenzar yéndonos a uno de los pioneros de lo que ahora denominaríamos “street photography”, John Thomson (1837-1921). El fotógrafo escocés, más conocido por sus fotografías de viajes a lugares exóticos, e inaccesibles en ese momento, de Asia, se estableció en Londres a partir de 1872. Allí, durante los años 1876 y 1877, publicó junto al periodista Adolphe Smith, una revista mensual llamada “Street Life in London”, que retrataba con imágenes y texto la vida de la ciudad, y que más tarde tomó forma de libro. Aquí vemos alguna de esas fotografías:

Uno de los proyectos más conocidos que ha protagonizado Londres ha sido “A Night in London” (1938), un fotolibro realizado por el gran fotógrafo germano-británico Bill Brandt (1904-1983), y que llevó a las calles británicas lo que Brassai había conseguido previamente en París.

Si al principio hablábamos de Londres como núcleo de movimientos y tendencias urbanas, uno de los fotógrafos que suplo plasmarlo fue Terry Spencer (1918-2009), que durante la época del “swinging London” en los 60, y en las décadas posteriores, con el nacimiento de las “tribus urbanas”, hizo de su cámara un importante testigo de todo ello.

Entre el gran legado fotográfico de la agencia Magnum, tal vez sea el inglés Ian Berry (1934) el fotógrafo más relacionado con Londres, debido a que es su lugar de residencia habitual, al que ha vuelto siempre tras los numerosos viajes cubriendo noticias a lo largo del mundo.

Un relevante nombre de la fotografía actual de calle es el de Matt Stuart (1974), que recoge parte de ese famoso humor inglés, y lo traslada a la vida de la ciudad, buscando ocurrentes coincidencias, brillantes yuxtaposiciones, en un verdadero alarde de encuentro de “momentos decisivos”. Y casi siempre en las calles de Londres, donde Stuart encuentra su especial ecosistema visual.

Y, por supuesto, otros fotógrafos pasaron en uno u otro momento por Londres, aunque fuera de forma fugaz, para realizar algún trabajo o encargo fotográfico. Cartier-Bresson, Horacio Coppola, Bruce Davidson, Jean Gaumy, Bruce Gilden, Sergio Larraín… Tal vez no tengan un extenso álbum de la ciudad, pero sí imágenes que de una u otra manera simbolizan diferentes prismas desde los que contemplar Londres. Vamos a quedarnos, de toda esa larga lista, con las instantáneas de Bruce Davidson (1933), un fotógrafo al que para nada identificamos con Londres, pero que pasó por allí en los años 60, y se llevó consigo unas interesantes y evocadoras fotografías.

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Convencida por su primo Cavour, primer ministro del rey Victor Manuel de Cerdeña y el Piamonte, acude a París en 1855, con el objetivo de doblegar la voluntad de Napoleón III y conseguir su apoyo para la renunificación de Italia. Allí empezó su leyenda. En París, se convierte en uno de los personajes de la época, centro de todas las fiestas y bailes, a donde acudía junto a su marido, a la que acompañaba, intentando ser siempre de los últimos en llegar. En la capital francesa permaneció ya prácticamente toda su vida, terminando sus días en un apartamento en la Place Vendome, sola, y dicen que con las paredes cubiertas de negro y los espejos tapados para no observar su envejecido rostro.

Y, una vez situados en su biografía, lo que verdaderamente nos interesa es la devoción que sintió la Condesa de Castiglione por su imagen, y el amor que tenía a la fotografía. Durante años estuvo visitando uno de los grandes estudios fotográficos de la época en París, el de Mayer y Pierson, donde Pierre-Louis Pierson la retrató en multitud de poses y escenografías distintas. Una colaboración que duró 40 años, entre 1856 y 1895, y que hubiera fructificado en una muestra en la Exposición Universal de París de 1900, de no ser por su muerte a los 62 años. Al menos, así lo había pensado la Condesa de Castiglione.

Más de 400 fotografías se conservan de ella, interpretando papeles muy distintos, que la propia condesa se encargaba de idear. Para ello, se inspiraba en la pintura, la literatura, el teatro o la ópera, y adoptaba roles que la convertían en taciturna, soñadora, enigmática, apasionada… casi como si fuera una Cindy Sherman del siglo XIX. Incluso, rompiendo las normas de la época, se dejó fotografiar sus pies y piernas desnudas. Unas fotografías donde ella dirige y selecciona, y Pierson sólo se encarga de la parte mecánica de la imagen, en una autoría que podríamos decir que pertenece más a la condesa que al fotógrafo.

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1. Sebastiaö Salgado: Trabajadores

2. Helmut Newton: Frames From The Edge

3. Richard Avedon: Darkness and Light

4. William Klein: The Many Lives of William Klein

5. Joel Meyerowitz: Street Photography

6. Magnum Photos: The Changing of a Myth

7. Henri Cartier-Bresson: Pen, Brush and Camera

8. National Geographic: The Photographers

9. Annie Leibovitz: Life Through a Lens

10. David Bailey: Fame, Fashion, Photography

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Sus retratos tienen alma, nos hablan del retratado como nadie lo hizo, pero con la subjetividad propia de un talento inabarcable como el de Avedon. Trabajó para las grandes revistas norteamericanas, retratando a los más importantes personajes de la época, y se ganó un poder y una libertad para trabajar que pocos han tenido. Incluso en sus palabras y reflexiones podemos encontrar la genialidad del autor. Un placer leerle también en esta selección de 14 frases (o más que frases). Y al final, un muy buen documental sobre su trabajo.

– A través de mis fotografías puedo hablar de manera más intrincada y profunda que a través de las palabras.

– Mis retratos son más acerca de mí que lo que son sobre la gente a la que fotografío.

– Quiero hacer retratos tan intensos como las personas.

– He trabajado en una serie de negaciones. No a la luz exquisita, no a las composiciones aparentes, no a la seducción de las poses o de la narrativa. Y todos esos noes me han forzado al sí. Tengo un fondo blanco, una persona que me interesa y cosas que ocurren entre nosotros.

– Mis retratos dicen más de mí que sobre la gente a la que fotografío.

– Un retrato no es una semejanza. En el mismo instante en que una emoción o un hecho se convierte en una fotografía deja de ser un hecho para pasar a ser una opinión. En una fotografía no existe la imprecisión. Todas las fotografías son precisas. Ninguna de ellas es la verdad.

– Odio las cámaras. Interfieren y siempre están en medio. Ojalá pudiera trabajar solo con mis ojos.

– Cualquier cosa puede ser un arte si tú lo colocas al nivel del arte.

– Siempre me siento estimulado por las personas, casi nunca por las ideas.

– Un retrato fotográfico es una imagen de alguien que sabe que está siendo fotografiado, y lo que él hace con este conocimiento es parte de la fotografía al igual que cómo viste o cómo mira.

– Si cada fotografía te roba un poco el alma, ¿no es posible que yo esté dejando partes de mi alma cada vez que tomo una fotografía?

– Creo que tienes que amar tu trabajo tanto que sea todo lo que tú quieras hacer.

– Todos actuamos. Es lo que nosotros hacemos ante los otros todo el tiempo, deliberadamente o no. Es un modo de hablar acerca de nosotros mismos con la esperanza de ser reconocidos como nos gustaría ser.

– Creo que todo arte trata sobre el control, el encuentro entre el control y lo incontrolable.

Y os dejo aquí un vídeo en el que hablo sobre su vida:

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Es un “realista mágico” venido de Europa Central, errante, apátrida, y con una vida entregada con intensidad a la fotografía. No le gustan mucho las entrevistas, pero nos ha dejado unas reflexiones enriquecedoras para todos los amantes de la fotografía y de la vida (como unión), de las que he seleccionado estas 10 frases (o más que frases):

– Una buena fotografía es una imagen que cuando la ves no la puedes olvidar.

– La lección más importarte que he recibido de la fotografía es que del negativo se hace el positivo, y así lo aplico a la vida también.

– Si yo alguna vez estoy insatisfecho, es porque las buenas fotografías son escasas y distantes unas de otras. Una buena fotografía es un milagro.

– No me gustan los pies de foto. Prefiero que la gente mire mis fotografías e invente sus propias historias.

– Nunca permanezco más de tres meses en un país. Porque yo estoy interesado en ver, y si yo permanezco demasiado tiempo me convierto en un ciego.

– Lo que más me importa es tomar fotografías. Continuar tomándolas y no repetirme. Ir cada vez más lejos, tan lejos como pueda.

– Yo no sé hablar. No estoy interesado en hablar. Si tengo algo que decir, quizás pueda ser encontrado en mis fotografías.

– No finjo ser un intelectual o un filósofo. Yo sólo miro.

– Yo tengo que disparar tres rollos de película al día, incluso cuando “no estoy fotografiando”, para mantener mis ojos en forma.

– Me gustaría verlo todo, mirarlo todo, quiero ser el mismo visor de la cámara.

Si queréis ampliar información sobre Koudelka, en este vídeo lo podéis hacer:

Josef Koudelka, un genio de la fotografía que no tenía que recurrir a programas para editar fotos.

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Ideó una fábrica de arte (“The Factory”), que aglutinó a los artistas más irreverentes del Nueva York de los años 60 y 70, produciendo desde películas a pinturas, esculturas o serigrafías. Todo bajo el exitoso sello de Warhol, que personificó el nexo de unión entre la cultura underground y la alta sociedad de la época. Fuera para una entrevista o unas fotografías, Warhol siempre daba juego, e importantes fotógrafos lograron inmortalizarlo. Aquí una selección donde es muy enriquecedor el diferente enfoque y ojo de cada autor.

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El anonimato de las grandes urbes, que se habían convertido en megalópolis debido al cada vez menos atractivo mundo rural, proporcionaban el lugar ideal para el arte fotográfico. Una fotografía que se había beneficiado de la aparición de la Leica y otras cámaras pequeñas, que hacían pasar desapercibido al fotógrafo y le permitían convertirse en un observador privilegiado de todo el incesante trasiego urbano.

Pero, no sólo en esos grandes países hubo fotografía de calle. España, que por su tradición “callejera” debería ser un perfecto tablado para el desarrollo de este género, también ha dado grandes ejemplos visuales. Vamos a conocer el trabajo de dos grandes nombres, de diversas generaciones y muy diferentes en cuanto a la forma de ver la fotografía, que merecen, por derecho propio, formar parte de la historia del medio en nuestro país.

La vida en formato cuadrado de Baylón

Uno de ellos es Luis Baylón, un fotógrafo madrileño nacido en 1958, y que ha destacado por captar con especial talento, y siempre en blanco y negro, la ciudad que le rodea. Un gran retratista de todo lo que acontece en un espacio donde hay cabida para casi cualquier situación, desde personajes curiosos y extravagantes, a animales que buscan con ingenio la forma de sobrevivir en un entorno hostil para ellos.

Un autor que, según ha comentado, odia la palabra “robado”, un término muy utilizado en fotografía, ya que él, como bien dice, muestra todo lo que hace, no como podría hacer un ladrón.

Baylón se muestra como un creador impulsivo, que busca lo especial en la calle, ya sea en un gesto, en una determinada luz, en un movimiento, en una cara, en algo que le haga conmoverse hasta el punto de apretar el disparador de la Rolleiflex que siempre le acompaña. Fotografías en las que siempre se muestra, aunque no aparezca él, ya que, como les pasa a otros grandes fotógrafos, en muchas ocasiones sus fotografías tienen parte de “autorretrato”.

Un artista o funambulista, como le gusta definirse, que es “callejero”. Le gusta la calle, que es donde se encuentra el mundo. Y ese mundo, más que bello o estético, lo quiere presentar profundo, dejando que sus imágenes sean una ventana abierta donde el espectador se pueda meter y ver más allá de lo que aparece en el blanco y negro de la instantánea.

La leyenda de Ramón Masats

Ramón Masats (Caldas de Monbui, 1931) es la historia viva de la fotografía española. Uno de esos pioneros que, cuando la fotografía aún arrastraba una rémora de décadas en relación a la de otros países, fue capaz de recoger un testigo hasta entonces difuso y hacer avanzar la fotografía hasta situarla a niveles de otros países de nuestro entorno. Una generación que luchó contra el aislamiento cultural, social y político en el que vivíamos, y que trabajó dentro de los márgenes estrechos que dejaba libres el régimen dictatorial que dominaba España.

Fue durante el servicio miliar, huyendo del tedio y el aburrimiento, cuando Masats se interesó por la fotografía, y se compró su primera cámara. En los años posteriores comienza a tener relación con otros fotógrafos de la época, como Xavier Miserach, y se decanta por el género del reportaje, cercano al fotoperiodismo, aunque nunca terminara de abandonar las imágenes de paisajes y objetos.

Durante los años 60, se gana la vida trabajando para publicaciones como Ya, Arriba o Gaceta Ilustrada, realizando en paralelo un trabajo más personal, cuyas fotografías surgían precisamente aprovechando esos viajes que solía realizar por encargo de estos periódicos.

Colaboró con Miguel Delibes, en el libro “Viejas Historias de Castilla la Vieja” (1964), realizó numerosas exposiciones, y publicó, entre otros, el libro “Los Sanfermines”, en una época, la de la primera parte de los años 60, que fue su etapa más fructífera y brillante.

El trabajo de Masats es fundamental para conocer y comprender varias décadas en la historia de España. Siguiendo la estela de Atget o Cartier-Bresson, creó un retrato certero de lo que era la España de la época. Imágenes que reflejan las fiestas, las tradiciones, pero que también conviven con fotografías más profundas, que reflejan el entorno social y político en el que se movían la gente, con sus condicionamientos, sus tabúes, y el reflejo de una sociedad un tanto constreñida.

Masats va más allá del costumbrismo y se adentra en retratar una España real, con un estilo honesto. Y todo ello con una exquisito tratamiento de la composición, sin duda heredado de Cartier-Bresson, donde las imágenes son un arte de equilibrio de líneas y motivos, con un resultado que más allá de intentar captar un momento decisivo.

Quién sabe si, de no haber nacido en España, en ese tiempo histórico, Masats hubiera formado parte precisamente de la histórica Agencia Magnum, creada por Cartier-Bresson. Sin duda, méritos no le hubieran faltado, y Cristina García-Rodero, la única fotógrafa española que ha formado parte de ella (aunque Cristina de Middel puede ser la siguiente) tiene mucho que agradecerle en el camino que abrió.

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El surrealismo, heredero del dadaísmo, continuó su línea de subversión, aunque encauzada  en unos parámetros estéticos más artísticos, pero también tremendamente provocadores. Agitadores de mentes, intentaron sacudir la moral conservadora tras el desastre de la Gran Guerra, dejando su huella en el mundo del arte para siempre.

A pesar de tratarse de un movimiento fundamentalmente literario en sus inicios, teniendo al escritor André Breton como alma iniciática, el surrealismo pronto caló en otras áreas artísticas, como la pintura y el cine. E, inevitablemente, la fotografía también se vio impregnada por esos nuevos aires, incluso comenzando por reconocer un trabajo previo al mismo movimiento, como el de Eugène Atget, una obra donde muchos adalides de él, reconocieron los principios básicos del surrealismo.

Y, en verdad, la fotografía, con la capacidad que tiene de alterar y subvertir los significados de todo lo que aparece dentro de ella, con su forma de descontextualizar elementos, personas y formas, es perfecta para trastocar la realidad, para crear un nuevo mundo más allá de lo material, sin ataduras, sin limitaciones, tal y como pretendía el surrealismo.

Uno de los fotógrafos que abrazó el surrealismo fue el húngaro André Kertész (1894-1985), que llegando a París en 1925, inevitablemente experimentó con la cámara fotográfica, como tantos artistas de las vanguardias europeas, intentando probar nuevas formas de contemplar el mundo. Así, son famosas sus distorsiones de cuerpos desnudos, creadas con espejos cóncavos y convexos.

Pero, donde nos vamos a detener, para enlazarlo con el posterior trabajo de Chema Madoz, es en otro tipo de imágenes de Kertész, donde el fotógrafo húngaro buscó la sencillez de elementos, pero la riqueza visual y evocadora.

Precisamente, una de las características de Madoz. Y, aunque el artista madrileño ha desarrollado un mundo propio, en gran parte desde la creación de nuevos elementos partiendo de la realidad existente, sí es cierto que podríamos establecer un lazo con varias obras de Kertész, empezando por la famosa fotografía del tenedor sobre el plato, que en el trabajo de Madoz, se convierte en una sombra, proyectada desde una cuchara. Kertész no inventa ningún objeto nuevo, como Madoz, si no que aprovecha la realidad para jugar con ella, y transformarla exprimiendo las posibilidades de la fotografía.

Kertész fue más un fotógrafo total, experimental, pero con miras muy amplias, hacia afuera, mientras que Chema Madoz ha ido cincelando su carrera hacia dentro, enriqueciendo su discurso, de una forma casi literaria y poética, y con una estética inconfundible.

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