Pero vamos a dirigirnos unos cientos de kilómetros más al norte, y vamos a contemplar otra universal metrópoli a través de los ojos de varios fotógrafos. Se trata de Londres, la capital de Inglaterra, y una de las más destacadas urbes del mundo. Pero, al pensar en Londres, no ocurre como en París. Piensas en París, piensas en fotografía, piensas en imágenes icónicas, y rápidamente surgen los Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson o Eugène Atget, entre otros. Y es que la capital de Inglaterra no ha sido nunca un imán cultural como lo fue París durante los siglos XIX y XX. Si alguien quería ser artista, no iba a Londres, desde luego. Y en el país británico la fotografía no recibió el espaldarazo público y estatal como ocurrió en Francia desde sus orígenes.

Aun así, indudablemente, también vamos a encontrar fotógrafos seducidos por las calles de Londres, capital económica, metrópoli multicultural como ninguna otra, y desde mediados del siglo pasado, origen de tendencias urbanas y musicales. Y, a pesar de los grandes atractivos que tiene la ciudad a muchos niveles, es precisamente la vida de la calle lo que ha atraído en mayor parte a los fotógrafos que podríamos denominar “londinenses”.

De esta manera, podemos comenzar yéndonos a uno de los pioneros de lo que ahora denominaríamos “street photography”, John Thomson (1837-1921). El fotógrafo escocés, más conocido por sus fotografías de viajes a lugares exóticos, e inaccesibles en ese momento, de Asia, se estableció en Londres a partir de 1872. Allí, durante los años 1876 y 1877, publicó junto al periodista Adolphe Smith, una revista mensual llamada “Street Life in London”, que retrataba con imágenes y texto la vida de la ciudad, y que más tarde tomó forma de libro. Aquí vemos alguna de esas fotografías:

Uno de los proyectos más conocidos que ha protagonizado Londres ha sido “A Night in London” (1938), un fotolibro realizado por el gran fotógrafo germano-británico Bill Brandt (1904-1983), y que llevó a las calles británicas lo que Brassai había conseguido previamente en París.

Si al principio hablábamos de Londres como núcleo de movimientos y tendencias urbanas, uno de los fotógrafos que suplo plasmarlo fue Terry Spencer (1918-2009), que durante la época del “swinging London” en los 60, y en las décadas posteriores, con el nacimiento de las “tribus urbanas”, hizo de su cámara un importante testigo de todo ello.

Entre el gran legado fotográfico de la agencia Magnum, tal vez sea el inglés Ian Berry (1934) el fotógrafo más relacionado con Londres, debido a que es su lugar de residencia habitual, al que ha vuelto siempre tras los numerosos viajes cubriendo noticias a lo largo del mundo.

Un relevante nombre de la fotografía actual de calle es el de Matt Stuart (1974), que recoge parte de ese famoso humor inglés, y lo traslada a la vida de la ciudad, buscando ocurrentes coincidencias, brillantes yuxtaposiciones, en un verdadero alarde de encuentro de “momentos decisivos”. Y casi siempre en las calles de Londres, donde Stuart encuentra su especial ecosistema visual.

Y, por supuesto, otros fotógrafos pasaron en uno u otro momento por Londres, aunque fuera de forma fugaz, para realizar algún trabajo o encargo fotográfico. Cartier-Bresson, Horacio Coppola, Bruce Davidson, Jean Gaumy, Bruce Gilden, Sergio Larraín… Tal vez no tengan un extenso álbum de la ciudad, pero sí imágenes que de una u otra manera simbolizan diferentes prismas desde los que contemplar Londres. Vamos a quedarnos, de toda esa larga lista, con las instantáneas de Bruce Davidson (1933), un fotógrafo al que para nada identificamos con Londres, pero que pasó por allí en los años 60, y se llevó consigo unas interesantes y evocadoras fotografías.

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El anonimato de las grandes urbes, que se habían convertido en megalópolis debido al cada vez menos atractivo mundo rural, proporcionaban el lugar ideal para el arte fotográfico. Una fotografía que se había beneficiado de la aparición de la Leica y otras cámaras pequeñas, que hacían pasar desapercibido al fotógrafo y le permitían convertirse en un observador privilegiado de todo el incesante trasiego urbano.

Pero, no sólo en esos grandes países hubo fotografía de calle. España, que por su tradición “callejera” debería ser un perfecto tablado para el desarrollo de este género, también ha dado grandes ejemplos visuales. Vamos a conocer el trabajo de dos grandes nombres, de diversas generaciones y muy diferentes en cuanto a la forma de ver la fotografía, que merecen, por derecho propio, formar parte de la historia del medio en nuestro país.

La vida en formato cuadrado de Baylón

Uno de ellos es Luis Baylón, un fotógrafo madrileño nacido en 1958, y que ha destacado por captar con especial talento, y siempre en blanco y negro, la ciudad que le rodea. Un gran retratista de todo lo que acontece en un espacio donde hay cabida para casi cualquier situación, desde personajes curiosos y extravagantes, a animales que buscan con ingenio la forma de sobrevivir en un entorno hostil para ellos.

Un autor que, según ha comentado, odia la palabra “robado”, un término muy utilizado en fotografía, ya que él, como bien dice, muestra todo lo que hace, no como podría hacer un ladrón.

Baylón se muestra como un creador impulsivo, que busca lo especial en la calle, ya sea en un gesto, en una determinada luz, en un movimiento, en una cara, en algo que le haga conmoverse hasta el punto de apretar el disparador de la Rolleiflex que siempre le acompaña. Fotografías en las que siempre se muestra, aunque no aparezca él, ya que, como les pasa a otros grandes fotógrafos, en muchas ocasiones sus fotografías tienen parte de “autorretrato”.

Un artista o funambulista, como le gusta definirse, que es “callejero”. Le gusta la calle, que es donde se encuentra el mundo. Y ese mundo, más que bello o estético, lo quiere presentar profundo, dejando que sus imágenes sean una ventana abierta donde el espectador se pueda meter y ver más allá de lo que aparece en el blanco y negro de la instantánea.

La leyenda de Ramón Masats

Ramón Masats (Caldas de Monbui, 1931) es la historia viva de la fotografía española. Uno de esos pioneros que, cuando la fotografía aún arrastraba una rémora de décadas en relación a la de otros países, fue capaz de recoger un testigo hasta entonces difuso y hacer avanzar la fotografía hasta situarla a niveles de otros países de nuestro entorno. Una generación que luchó contra el aislamiento cultural, social y político en el que vivíamos, y que trabajó dentro de los márgenes estrechos que dejaba libres el régimen dictatorial que dominaba España.

Fue durante el servicio miliar, huyendo del tedio y el aburrimiento, cuando Masats se interesó por la fotografía, y se compró su primera cámara. En los años posteriores comienza a tener relación con otros fotógrafos de la época, como Xavier Miserach, y se decanta por el género del reportaje, cercano al fotoperiodismo, aunque nunca terminara de abandonar las imágenes de paisajes y objetos.

Durante los años 60, se gana la vida trabajando para publicaciones como Ya, Arriba o Gaceta Ilustrada, realizando en paralelo un trabajo más personal, cuyas fotografías surgían precisamente aprovechando esos viajes que solía realizar por encargo de estos periódicos.

Colaboró con Miguel Delibes, en el libro “Viejas Historias de Castilla la Vieja” (1964), realizó numerosas exposiciones, y publicó, entre otros, el libro “Los Sanfermines”, en una época, la de la primera parte de los años 60, que fue su etapa más fructífera y brillante.

El trabajo de Masats es fundamental para conocer y comprender varias décadas en la historia de España. Siguiendo la estela de Atget o Cartier-Bresson, creó un retrato certero de lo que era la España de la época. Imágenes que reflejan las fiestas, las tradiciones, pero que también conviven con fotografías más profundas, que reflejan el entorno social y político en el que se movían la gente, con sus condicionamientos, sus tabúes, y el reflejo de una sociedad un tanto constreñida.

Masats va más allá del costumbrismo y se adentra en retratar una España real, con un estilo honesto. Y todo ello con una exquisito tratamiento de la composición, sin duda heredado de Cartier-Bresson, donde las imágenes son un arte de equilibrio de líneas y motivos, con un resultado que más allá de intentar captar un momento decisivo.

Quién sabe si, de no haber nacido en España, en ese tiempo histórico, Masats hubiera formado parte precisamente de la histórica Agencia Magnum, creada por Cartier-Bresson. Sin duda, méritos no le hubieran faltado, y Cristina García-Rodero, la única fotógrafa española que ha formado parte de ella (aunque Cristina de Middel puede ser la siguiente) tiene mucho que agradecerle en el camino que abrió.

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Como ya vimos en un anterior artículo, París es una de las ciudades más fotografiadas, y una de las grandes capitales de la fotografía y de la cultura del siglo XX. A ella han acudido, en su momento, todos los fotógrafos que querían abrirse paso y alcanzar notoriedad, y otros que simplemente querían pasear por las mismas calles por donde Eugène Atget, Henri Cartier-Bresson o Robert Doisneau, consiguieron alguna de sus imágenes más importantes.

Pero como suele ocurrir, la imagen que nos dejaron unos u otros es distinta, personal, única. Al menos, la que nos dejaron muchos de los creadores más importantes que han sostenido una cámara fotográfica entre sus manos.

Podemos conocer París a través de los ojos de Brassai, Doisneau o Klein, y la capital francesa se nos mostrará diferente, poliédrica, con diversos matices según quién sea el que firme las imágenes. Y es que al final, la fotografía, el documento que observemos, será “algo” visto a través de los ojos de “alguien”, nada más y nada menos. Y es lo que debemos ver cuando miramos y nos detenemos en una imagen.

Y con esa idea vamos a dar un repaso a París, una visión de París a través de diferentes ojos, de diferentes miradas, que se asomaron a esta gran ciudad para dejarnos su testimonio, su experiencia, su sensibilidad.

Eugene Atget y el surrealismo mágico

Comenzamos con el París silencioso, solitario e irreal de Eugène Atget (1857-1827). Tan extraño, enigmático y evocador, que sus obras fueron abrazadas por los surrealistas.

Ilyá Ehrenburg y la decadencia capitalista

Ahora nos quedamos con una visión menos conocida de París. La que realizó el escritor y periodista ruso Ilyá Ehrenburg (1891-1967), y que reflejó en un libro titulado “Mi París” (1933).

Él se fijó en lo podrido de una sociedad capitalista que criticó duramente. Borrachos, gentes abandonadas a su suerte, como sobrantes de una economía implacable con los que se han bajado del tren. Con una cámara Leica retrata París de una manera muy poco romántica.

Brassaï y el encanto de lo prohibido

Brassaï (1899-1984), en cambio, colocó a París, con “París de noche” (1933), con un velo mítico, atrayente y misterioso. Sus estampas nocturnas, que tanto han sido imitadas posteriormente, dejaban un aire embriagador y seductor, que todavía sobrevuela la capital de Francia cuando pensamos en ella.

Robert Doisneau y la vida de la ciudad

Nos vamos ahora a esas imágenes llenas de vida de Robert Doisneau (1912-1994). Costumbristas, que han forjado la leyenda de París como ningunas otras, y que estaban firmadas por un formidable fotógrafo.

Johan van der Keuden y el existencialismo

El cineasta y fotógrafo holandés Johan van der Keuken (1938-2001) recogió en su libro “Paris mortal” (1963) su etapa de estudiante en la ciudad. Nos presenta una visión personal e íntima de París, existencialista, y con los aires estéticos que en esos momentos revolucionaban el cine de la época con la “novelle vague” de Godard y Truffaut.

William Klein y el caos

Y en William Klein (1928) encontramos un París cosmopolita, caótico y callejero. Cuando recorría las calles, Klein se convertía en un fotógrafo al límite, peleando cuerpo a cuerpo con la imagen, yuxtaponiendo cuerpos y caras, con un estilo inconfundible.

Un maravilloso repaso a una de las grandes capitales de la fotografía mundial: París.

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La fotografía de El Beso y mucho más

Pero, ¿sería justo que no recordáramos a Robert Doisneau (1912-1994). El autor del célebre, manido y escenificado beso, pero también de imágenes, poco conocidas, que nos acercan a un mundo más oscuro del París de la época, donde habitaban obreros, prostitutas o borrachos. Creo que no es justo. Precisamente en los últimos años se ha intentando recuperar a ese Doisneau más desconocido y oculto. Y aunque inevitablemente su planteamiento formal y nuclear ande alejado de las tendencias más actuales, su obra forma parte de la iconografía fotográfica más imperecedera, por mucho que les pese a los más ejemplarizantes críticos del sector. ¿Resistirán las imágenes que dominan hoy el mercado los más de 50 años que tienen ya esas grandes piezas de Doisneau?. Pues, posiblemente, no, aunque nos cueste reconocerlo.

Brassai, el genio de la noche

Igualmente, aunque sus fotografías siempre han encontrado muchas lecturas, Brassaï (1899-1984) ha sido catalogado también dentro de ese grupo de fotógrafos más interesado en captar el Paris anecdótico y popular. Pero repasando su prolífica carrera, nos damos cuenta de la complejidad y amplitud de la misma, ya que, junto a sus famosas imágenes nocturnas, que tanto apreciaron los surrealistas, encontramos las numerosísimas fotografías de graffitis que realizó a lo largo de su carrera, por los que sentía una especial atracción, los poco conocidos retratos que realizó de grandes artistas de la época, como Alberto Giacometti, Samuel Beckett o Henry Miller, y sus acercamientos a otras artes, como la escultura, el dibujo y el cine. Este fotógrafo de origen rumano es uno de esos artistas capaces de abarcar campos muy distintos y poner un sello de calidad a todo lo que plasman.

Otro fotógrafo de Paris: Willy Ronis

El último de esta terna de “fotógrafos parisinos” es Willy Ronis (1910-2009). Perteneció a la agencia Rapho, al igual que Brassai y Doisneau, y fue el primer fotógrafo francés que trabajó para la revista Life. Después de la Segunda Guerra Mundial, comenzó a fijar su objetivo en lo más cotidiano de la vida de una ciudad, buscando imágenes emocionales, bellas, tiernas, simpáticas, de una ciudad que empezaba a renacer después de los duros años de conflicto bélico. Tan apegado estaba a este tipo de fotografía humanista, que cuando los gustos cambiaron y las publicaciones y agencias empezaron a interesarse por una fotografía más impactante y personal, Ronis prefirió centrar su carrera en la fotografía comercial y corporativa, y de desnudo, y en la labor docente.

De una extensa trayectoria, ya que estuvo realizando fotografías hasta los 90 años, revisando ese legado de imágenes que le hicieron famoso, podemos ver sin duda una calidad indudable, fundamentada en la sinceridad, el lirismo y el ritmo. Incluso, las fotografías de desnudo que le hizo a su mujer en la región de la Provenza, y los retratos de trabajadores y del movimiento obrero rezuman un aire eterno y testimonial.

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Y dentro de ese orden anárquico que he comentado al principio que voy a seguir, a lo mejor os resulta extraño que os hable del FONDO (sí, así en mayúsculas, dada su importancia). No me he vuelto loco, el fondo es fundamental en una imagen. Sea para una imagen de retrato, para una street photography, para un bodegón, un detalle… un buen fondo va a ayudar a equilibrar la imagen y/o dotarla de mayor interés… Y si la elección no es buena puede también arruinar vuestra fotografía (fondos confusos, con elementos que sobresalen de los retratados, con el horizonte desequilibrado, con luces sobreexpuestas que desvían la atención…).Incluso hay fondos que se convierten en protagonistas de la imagen, a la misma altura que el elemento que ejerce de contrapunto.

En muchas de las ocasiones, el fotógrafo lo primero que tiene que seleccionar es el fondo. Dada por buena la luz (natural, artficial o ambiental) y bajo la premisa de poder controlarla, el marco contenedor de tu idea es fundamental. Si es para un retrato, elige el fondo, busca ese fondo que produzca aplomo y luzca mejor al retratado. Las prisas no son buenas, y tal vez si estamos en un exterior o un interior, con movernos un poco de donde estemos, logremos el objetivo de encontrar un fondo menos confuso (si es lo que buscamos…) y donde no haya elementos que desequilibren la imagen.

Y movamos, movamos al retratado hacia ese fondo que hemos seleccionado previamente, y donde hemos previsualizado a esa persona. Y movamos, también, si es necesario, y estamos trabajando en un interior, lo que creamos conveniente. Yo he revuelto muchas veces el despacho de ministros o personajes públicos hasta que he conseguido cuadrar todas las piezas.

Si lo que estamos haciendo es street photography, una buena táctica, y que han empleado muchísimos fotógrafos, desde Henri Cartier-Bresson a Matt Stuart, es buscar el escenario perfecto, y esperar a completar la fotografía con el elemento humano. Puede ser un fondo potente por las líneas que se mezclan o dan profundidad a la escena, o por el hecho de crear una situación cómica o irónica. Las posibilidades son infinitas, y la calle es un lugar perfecto para probar combinaciones de todo tipo. Eso sí, sea el género fotográfico que sea, ¡¡cuida el fondo de la imagen!!

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